Animation

Animation – Storytelling

Animationen zu erstellen ist eine komplexe Sache, die viel Planung und Voraussicht benötigt. Deswegen arbeiten in der Regel ganze Teams an solch handgezeichneten Projekten.

Bevor animiert werden kann, wird zuerst ein Storyboard angelegt, in dem mit Einzelpanels der Grundriss der Szenen festgehalten wird. Dies ist wichtig, um während des Animierens Figuren, Perspektiven und Hintergründe konsistent zu halten und das Storytelling des Werkes bereits auf Papier zu bringen.

Zudem wird jedes Panel im Storyboard mit weiteren Begleitaktionen und Dialogen beschriftet.

Ein Beispiel für das Aussehen eines Storyboards

Verschiedene Arten der Animation

Animationen sind nicht einfach nur Hand für Hand gemalte Zeichnungen, die in Form von Zeichentrickfilmen hintereinander abgespielt werden, sondern können in verschiedenen Formen vorkommen. Seit dem Anfang der Animationen haben sich die Techniken und Medien immer weiter entwickelt. Zu den wichtigsten Animationsarten gehören heutzutage Stop-Motion-Animationen, 2D-Animationen und 3D-Animationen.

Stop-Motion

Bei einer Stop-Motion-Animation werden keine Bilder gezeichnet, sondern Bilder aufgenommen. Die Illusion der Bewegung entsteht daraus, dass ein unbewegtes Objekt viele Male hintereinander fotografiert wird, wobei bei jedem neuen Foto das Objekt ein wenig verändert wird. Je mehr Einzelfotos aufgenommen werden, desto flüssiger wirkt die Bewegung, wenn man die Fotos hintereinander abspielt.

Die Stop-Motion-Animation kann mit vielen verschiedenen Gegenständen durchgeführt werden. Hier einige Beispiele:

2D-Animation

Zur 2D-Animation gehören vor allem die bekannten Zeichentrickfilme, bei denen jeder Frame einzeln gezeichnet wird. Dafür können die Bilder entweder auf Papier gemalt und eingescannt oder gleich mit einem digitalen Programm erstellt werden.

Die zwei verbreitetsten Methoden bei der klassischen 2D-Animation sind die Zeichentechniken "Pose-to-Pose" sowie "Straight Ahead".

Pose-to-Pose-Methode

Bei der Pose-to-Pose Methode fangen Animatoren und Animatorinnen damit an, die Extremes festzulegen (auch als Key bekannt). Das sind die Punkte, an denen die Bewegung am extremsten ist.

Als Nächstes werden Breakdowns zwischen den Extremes festgelegt. Diese zeigen, wie die Zwischenschritte der Bewegung aussehen sollen und definieren die Energie und Dynamik, z. B. bestimmter Körperteile wie Arme oder Beine. In unserem Sprung-Beispiel können das die Bewegungen der Beine, die vom Boden abstoßen, oder die der Arme, die das Gleichgewicht behalten, sein.

Zum Schluss werden Inbetweens eingezeichnet. Das sind Frames, die zwischen Extremes und Breakdowns liegen und dafür sorgen, dass die Bewegung schlussendlich flüssig wirkt. Normalerweise werden diese nicht mehr von Animatoren und Animatorinnen selbst gezeichnet, sondern von der Assistenz.

Die Vorteile der Pose-to-Pose Animation sind, dass die Animatoren und Animatorinnen mit großer Kontrolle und Planung an die Bewegung herangehen können. Dadurch, dass eine Szene mit dieser Technik außerdem von verschiedenen Zeichnenden gleichzeitig ohne große Absprache erstellt werden kann, handelt es sich um eine besonders ökonomische Arbeitsweise.

Der Nachteil der Pose-to-Pose-Methode ist dagegen, dass die Bewegungen besonders bei ungeübten Animatoren und Animatorinnen steif und mechanisch wirken können.

Abbildung 4: Frames aus einer animierten Bewegung

Straight-Ahead-Methode

Bei der Straight-Ahead-Methode werden Frames in der Reihenfolge gezeichnet, in der sie abgespielt werden. Diese Technik kann im Gegenzug zur Pose-to-Pose-Methode dynamischer und energiereicher wirken. Jedoch hat sie ein höheres Potenzial dafür, dass sich gravierende Fehler durch eine Bewegung ziehen, die erst am Ende auffallen.

Daher übernehmen Assistierende hier nicht die Aufgabe des Zeichnens der Inbetweens, sondern behalten den Überblick über die Bewegung, um potenzielle Fehler vorzeitig zu korrigieren.

CGI

Die Abkürzung CGI steht für Computer Generated Imagery – also vom Computer erzeugte Bilder. Der Begriff ist sehr geläufig, wenn man von moderner 3D-Animation für Filme spricht. Damit sind nicht nur Trickfilme wie "Ice Age" oder "Findet Nemo" gemeint, sondern auch Fantasy-Filme mit echten Darstellenden wie "Star Wars" oder "Der Herr der Ringe". Denn dabei kommt auch diese Animationstechnik zum Einsatz. So können am Computer etwa fantastische Kulissen erschaffen werden, ohne diese aufwendig von Hand zu bauen.

Heutzutage ist die Technik des Motion-Capturings in der computerbasierten Animation weitverbreitet. Hierbei werden Personen mit Bewegungserkennern am Körper ausgestattet, welche die Bewegungen aufzeichnen und an den Computer weitervermitteln. So müssen die Animationen nicht mithilfe von Modellen aus dem Nichts animiert werden. Zudem wirken sie oft natürlicher, da die Bewegung von einem echten Menschen ausgeführt wurde.

Abbildung 5: Prozess vom Motion-Capturing der Person bis zum Erstellen des Computermodells

Prinzipien der Animation

1981 wurde das Buch "The Illusion of Life: Disney Animation" von Ollie Johnston und Frank Thomas, zwei prägenden Zeichentrickzeichnern von Disney, veröffentlicht. Darin beschreiben die Autoren ihre zwölf wichtigsten Prinzipien, um lebendige und dynamische Animationen zu entwickeln.

Auch wenn sich heute die Animationstechniken weiter entwickelt haben, so treffen viele der genannten Punkte dennoch zu.

• Drücke und Strecke: Wenn Figuren oder Teile von Figuren gequetscht oder gedehnt werden, wirkt das Bild genauer und ausdrucksvoller. Dabei ist zu beachten: Das Gesamtvolumen darf sich nicht verändern.

• Ausholen: Zu jeder Bewegung gehört eine Einleitung: Bevor jemand hochspringt, muss er erst in die Knie gehen. Ist diese Ausholbewegung nicht gegeben, wirkt die Animation steif und unnatürlich.

• Inszenierung: Posen müssen deutlich und vielsagend sein. Im besten Fall sollte man die Dynamik der Pose auch erkennen können, wenn man nur die Silhouette sieht.

• Pose-to-Pose und Straight-ahead: Die beiden bereits beschriebenen Zeichentechniken, die besonders bei der 2D-Animation vorkommen.

• Follow Through und Overlapping Action: Follow Through beschreibt das "Nachschwingen" von Objekten, die bei einer Bewegung mitgezogen werden. Zum Beispiel Kleidung, die während der Bewegung zuerst nach hinten fliegt und beim Stoppen der Bewegung kurzzeitig nach vorne schießt, ehe sie sich wieder in die Ruheposition versetzt.Overlapping Action bezeichnet die Asymmetrie während Bewegungen. Würden sich alle Teile einer Figur gleich bewegen, sähe das wieder unnatürlich aus.

• Beschleunigung und Verlangsamung: Eine animierte Bewegung hat meistens am Anfang und am Ende mehr Frames, da eine Bewegung langsamer anfangen und wieder aufhören sollte, um natürlich zu wirken.

• Bewegungsbögen: Eine Bewegung sollte stets bogenförmig animiert werden, da sich in der Wirklichkeit kein Körper entlang einer geraden Linie bewegt.

• Unterstützende Bewegung: Wenn Du läufst, bewegst Du nicht nur Deine Beine, sondern Deinen ganzen Körper. Bewegungen wie das Mitschwingen der Arme nennt man auch sekundäre Handlung.

• Bewegungsdauer: Wie lange eine Figur braucht, um eine Bewegung auszuführen, sagt einiges über sie aus: Ist sie in Eile und bewegt sich deswegen sehr hastig? Ist sie allgemein eine langsame Person und bewegt sich deswegen in aller Ruhe? Diese Eigenschaften und Umstände müssen bei der Festlegung der Dauer einer Bewegung klar werden.

• Übertreiben: Besonders die Zeichentrickanimation lebt davon, die Bewegungen übertrieben darzustellen. In der Regel wirkt eine Bewegung auch deutlicher, wenn sie mit dem richtigen Maß an Übertreibung animiert wird.

• Solides Zeichnen: Die Kontinuität der Figuren und der Räume, in denen sie sich befinden, zu behalten, ist sehr wichtig. Für solche Zwecke legen sich Animatoren und Animatorinnen detaillierte Referenzen an.

• Appeal: Bewegungen sollten dem Charakter und den Merkmalen einer Figur nachkommen. Wenn eine Figur sich völlig anders bewegt, als ihr sonstiges Auftreten es vermuten lässt, kann dies natürlich beabsichtigt so genutzt werden. Doch in der Regel sollten die Bewegungen angemessen wirken.