Bildanalyse Kunst

Bilder analysieren – Verwendung und Ziel

In einer Bildanalyse werden alle Gestaltungsmerkmale eines Werkes genauestens unter die Lupe genommen und analysiert. Dabei werden einzelne Aspekte des Werkes untersucht. Ziel einer Bildanalyse ist es, die Wirkung eines Werkes herauszufinden und zu begründen. In der Analyse sollte keine Wertung stattfinden.

Folgender Frage kann dabei hilfreich sein:

Wie sind die Bildelemente (zueinander) abgebildet und welche Wirkung wird dadurch erzeugt?

Im Idealfall hast Du vor Deiner Bildanalyse eine Bildbeschreibung angelegt. Diese hilft Dir, die einzelnen Bildelemente zu erfassen und wichtige Bestandteile des Bildes zu erkennen.

Mithilfe einer abgeschlossenen Bildanalyse ist es dann möglich, eine Bildinterpretation zu schreiben. Eine Bildanalyse wird erstellt, um (formale) Gestaltungsmittel nachzuvollziehen und Zusammenhänge im Bild zu erkennen. Diese Erkenntnisse werden anschließend gebraucht, um Rückschlüsse über den Künstler oder die Künstlerin sowie Inhalt und Werk innerhalb einer Interpretation zu ziehen.

Bildanalyse Kunst – Aufbau

Im Folgenden findest Du einen möglichen Aufbau für eine Bildanalyse.

Bildanalyse Kunst – Einleitung

Als Einleitung kannst Du Dir einen Satz überlegen, der einen Übergang von Deiner Bildbeschreibung zu Deiner Bildanalyse anzeigt.

Bildanalyse Kunst – Fachbegriffe, Komposition und Wirkung

Als Erstes kannst Du mit der Analyse der Komposition beginnen. Sie dient als Basis für die folgenden Punkte.

Bei der Analyse der Komposition konzentrierst Du Dich auf den formalen Aufbau des Werkes. Dabei können folgende Formulierungen bzw. Fachbegriffe hilfreich sein:

Kompositionsskizze

Zu einer vollständigen Kompositionsanalyse gehört auch eine Kompositionsskizze. Diese veranschaulicht Kompositionsaspekte und hilft dabei, Schlüsse über die Gesamtkomposition des Kunstwerkes zu ziehen.

Um eine Kompositionsskizze anzufertigen, wird zunächst das Kunstwerk skizziert und eigene Einzeichnungen von Kompositionselementen wie beispielsweise Formen oder Linien ergänzt. Anschließend kannst Du Deine Kompositionsskizze nach folgenden Aspekten untersuchen: gesamtes Bildgefüge, Strukturen, Fokusse, Kontraste und Bildelementbeziehungen.

Bildanalyse – Wirkung von Darstellungsweise und Maltechnik

Um die angewandte Maltechnik zu analysieren, ist es hilfreich, das Entstehungsdatum zu kennen. Dieses steht meist beim Werk dabei. Außerdem ist es von Vorteil, wenn Du ein möglichst hochauflösendes Abbild des Werkes vor Dir liegen hast, um Strukturen besser zu erkennen.

Bei der Maltechnik untersuchst Du die Darstellungsweise, das verwendete Material und den Farbauftrag. Du kannst Dich dabei an folgenden Punkten orientieren:

Farbanalyse Kunst & Wirkung

Die Analyse der Farbe bzw. die Farbanalyse ist ein wichtiger Bestandteil einer Bildanalyse. Wichtig dabei ist, das Zusammenspiel der Farben zu beachten, dominierende und zurücktretende Farben zu erkennen und Farbstimmungen zu ermitteln. Die Bedeutung der angewandten Farbe wird erst in der Bildinterpretation thematisiert.

Auf folgende Gestaltungspunkte solltest Du eingehen:

Bildanalyse – Wirkung von Räumlichkeit und Perspektive

Wie tiefgehend sich ein Werk hinsichtlich der Räumlichkeit und Perspektive analysieren lässt, hängt immer von dem Werk selbst ab. Bei einem weitläufigen Hintergrund wie beispielsweise einer Landschaftsmalerei kann man viel mehr auf die perspektivischen Gestaltungsmittel und ihre Wirkung eingehen als bei einem Porträt mit einem einfarbigen neutralen Hintergrund. Daher bietet es sich an, immer die allgemeine Bildtiefe zu untersuchen und diese anzugeben (gering/hohe Bildtiefe).

Die Analyse der Räumlichkeit und Plastizität ist in den meisten Fällen möglich. Dabei gehst Du auf die Dreidimensionalität des Raumes und der Objekte ein.

Bildanalyse – Wirkung von Licht und Schatten

Licht und Schatten haben meist einen großen Einfluss auf die Gesamtwirkung eines Werkes. Häufig haben Licht und Schatten auch mit der Darstellung der Räumlichkeit zu tun.

Bild analysieren – Schluss

Je nach Werk kann man noch weitere Punkte analysieren. Manchmal wird auch in der Aufgabenstellung speziell nach einem bestimmten Aspekt gefragt, der analysiert werden soll (zum Beispiel Bewegungsdarstellung, Zeitdarstellung, Figurenausdruck etc.).

Zum Schluss kannst Du beispielsweise in ein bis zwei Sätzen Deine Analyse zusammenfassen und die Gesamtwirkung des Bildes betonen. Damit lässt sich auch eine Überleitung zu der anschließenden Interpretation machen.

Bildanalyse Kunst – Beispiel-Aufgabe

Im Folgenden findest Du eine gesamte Bildanalyse des Werks „Die Malkunst“ von Jan Vermeer (1666) als Beispiel. Die genannten Gestaltungselemente sind immer "türkis", die angeführte Wirkung "fett" markiert.

Bildanalyse Kunst Schritte – Jan Vermeer: "Die Malkunst" (1666)

Abbildung 6: Beispielwerk zur BildanalyseJan Vermeer: „Die Malkunst“ (1666)Öl auf Leinwand, 120 x 100 cmKunsthistorisches Kunstmuseum, Wien

Komposition

Jan Vermeers Gemälde "Die Malkunst" ist im Hochformat auf einer 120 x 100 cm großen Leinwand angelegt. Die Bildzonen lassen sich in einzelne Bereiche trennen, wodurch trotz der vielen Bildelemente eine strukturierte Wirkung entsteht.

Im Vordergrund befinden sich der Vorhang und der linke Stuhl, sie eröffnen der betrachtenden Person den Blick in den Bildraum. Im Mittelgrund sieht man den Maler mit seiner Staffelei, den Hintergrund schmückt das Model und die große Landkarte an der Wand.

Formal betrachtet wird das Gemälde von statischen senkrechten und waagerechten Linien dominiert (siehe auch Kompositionsskizze weiter unten). Diese finden sich fast überall im Bild und bilden zusammen ein Raster, das sich über die Bildfläche aufspannt. Dadurch wirkt das Gemälde geordnet und ruhig. Einige Linien lassen sich gedacht fortführen und unterstützen damit den rasterartigen Aufbau.

So geht die rechte Begrenzungslinie der Landkarte in die rechte Seite der Leinwand auf der Staffelei über. Ähnlich ist es bei der Formung eines nach unten geöffneten Trapezes, das der Maler mit seiner Staffelei bildet. Die obere linke Kante der Staffelei wird durch das linke Stuhlbein des Hockers, auf dem der Maler sitzt, fortgeführt. Das nahezu gleichschenklige Trapez, das als zentrale Kompositionsform angesehen werden kann, verleiht dem Werk eine standhafte Wirkung.

Weitere statische Formen, die diese Ruhe und Stabilität im Bild unterstützen, sind der Kerzenleuchter, der senkrecht von der Decke hängt und die Landkarte an der Wand, die beide Figurenköpfe durch die äußere Linie rahmt.

Aufgebrochen wird das Gesamtbild durch einige dynamische Formen und Linien. Dies geschieht besonders durch den dominierenden Vorhang im Vordergrund, bei dem durch die Faltenbahnen geschwungene Linien entstehen. Die Requisiten, die sich links auf dem Tisch befinden, bilden ebenfalls dynamische Formen und lockern damit die rasterartige Statik des Werkes auf.

Der Bildinhalt füllt das Format aus, nach links und nach oben wird das Bild durch den Vorhang und die Decke abgeschlossen. Nach rechts hin kann man sich eine Fortsetzung denken, jedoch wird auch hier das Bild durch senkrechte Linien abgeschlossen. Insgesamt entsteht eine Rahmung des Bildinhalts zu allen Seiten, die das Werk einheitlich wirken lässt.

Die Blickführung des Bildes folgt der Staffelung des Bildaufbaus. Der im Vordergrund hängende Vorhang lädt in das Bild ein und führt mit seinen geschwungenen, in das Bild führenden Linien den Blick zum Maler und seiner Leinwand. Von dort aus folgt man dem Blick des Malers auf das Model im Hintergrund. Das Model steht fast im geometrischen Mittelpunkt des Bildes und bildet damit ein optisches Zentrum für die Betrachtenden.

Kompositionsskizze:

Abbildung 7: Kompositionsskizze zu „Die Malkunst“ von Jan Vermeer (bearbeitet)

Darstellungsweise und Maltechnik

Vermeer verfolgt eine naturalistische Malweise und arbeitet Details naturgetreu aus. Zudem arbeitet er mit Farbflecken, die aus der Ferne betrachtet die Bildstrukturen erkennbar machen. Es entsteht eine hohe Stofflichkeit- und Oberflächenillusion, die die Materialien fast spürbar wirken lassen (Boden wirkt glatt, der Vorhang edel und schwer, die Haare des Malers weich). Die Pinselführung ist sorgsam genau und der Farbauftrag lasierend und deckend. Es lassen sich keine Spuren des Farbauftrags auf der Leinwand finden, was einen gleichmäßigen Eindruck unterstützt.

Farbe

Die Farbpalette des Werks ist koloristisch gehalten, jedoch dominieren warme Erd- und Beigetöne. Sie dienen als Basis im Bild. Hinzu kommt eine farbliche Binärkombination von Gelb- und (hellen) Blautönen. Fast unscheinlich findet man auch einen Rotton in den Strümpfen des Malers. Es ergibt sich eine Farbskala der Grundfarbtönen (nach Ittens Farbkreis) von Rot, Gelb und Blau, die eine harmonische Grundstimmung erzeugen.

An Farbkontrasten sticht besonders der Hell-Dunkel-Kontrast heraus. Er erscheint am reinsten im Fußboden und in der Kleidung des Malers (Schwarz/Weiß). Er lässt das Bild spannend wirken und unterstützt die räumliche Tiefe des Bildes (mehr unter "Perspektive"). Zwischen dem Gelb- und dem Blauton baut sich ein Kalt-Warm-Kontrast auf, der das Werk sehr interessant wirken lässt. Vor allem direkt nebeneinander, zwischen dem Kleid des Models und dem Buch in ihrem Arm, zieht der Kontrast den Blick auf sich. Beide Töne wiederholen sich in verschiedenen Bereichen im Bild.

Bei der Landkarte an der Wand entsteht so beispielsweise ein Quantitätskontrast zwischen den kleinen blauen Farbflecken und der vorherrschenden Farbfläche in Ocker. Auch dieser Kontrast unterstützt die stabile und spannende Wirkung.

Räumlichkeit und Perspektive

Anhand der parallelen Rückwand und dem Tisch kann erkannt werden, dass der Bildraum mithilfe der Zentralperspektive aufgebaut wurde. Wenn man davon ausgeht, dass die Mittelwaagerechte gleichzeitig den Horizont darstellt, führt eine Fluchtlinie entlang der rechten Tischkante zu einem Fluchtpunkt auf dieser Achse (siehe Kompositionsskizze). Jedoch erkennt man auch weitere Fluchtpunkte (außerhalb des Bildes), mit denen Vermeer arbeitet, wenn man die Fluchtlinien der schräg stehenden Gegenstände von Stuhl, Schemel und Staffelei verfolgt.

Die Verwendung der Zentralperspektive bewirkt eine harmonische Stimmung, wird aber durch die Verwendung von mehreren Fluchtpunkten aufgelockert, sodass sie nicht künstlich oder starr wirkt. Der Betrachterstandpunkt ist in der Normalperspektive leicht untersichtig, wodurch das Gefühl eines stillen, unscheinbaren Betrachtenden verstärkt wird.

Wie zuvor erwähnt sind die einzelnen Bildzonen voneinander abgrenzbar und staffeln sich nach hinten hin, wodurch die Raumtiefe deutlich wird. Mit dieser Staffelung wird auch das raumschaffende Mittel der Überdeckung deutlich, sodass die räumliche Darstellung sehr klar wird: Der Maler und der Tisch verdecken die im Hintergrund befindliche Landkarte und das Model. Der Vorhang im Vordergrund wiederum verdeckt den Tisch und den Stuhl. Farblich wird die Räumlichkeit ebenfalls durch den Gegensatz von dunkleren Farben im Vordergrund und hellerer, kühlerer Farben im Hintergrund unterstützt.

Licht und Schatten

Die Hauptlichtquelle befindet sich außerhalb des Bildes, lässt aber aufgrund des diffusen Lichteinfalls auf ein Fenster vermuten (natürliche Lichtquelle). Das Licht scheint von links direkt das Model im Hintergrund an. Dabei nimmt die Lichtintensität in Richtung Vordergrund ab, die helleren Bereiche des Vorhangs veranlassen jedoch zur Annahme einer zweiten Lichtquelle, die sich ebenfalls links und außerhalb des Bildes befinden muss. Durch die weit hinten liegende Lichtquelle ergibt sich für die betrachtende Person eine Gegenlichtsituation.

Entsprechend der diffusen Lichtquelle ergeben sich weiche Körper- und Schlagschatten, die sich nach rechts richten. Es lassen sich viele Schatten erkennen, wodurch auch der zuvor genannte Hell-Dunkel-Kontrast hervorsticht. Zum Teil zeigen sich auch härtere Schatten, beispielsweise im Vorhang und bei den Requisiten auf dem Tisch. Die Schatten tragen maßgeblich zur Plastizität der Bildobjekte bei. Besonders deutlich wird dies bei den Rissen bzw. Wellen der Landkarte: Sie heben sich durch die Schattierung auf der rechten Seite sehr ab und erscheinen dadurch plastisch.

Glanzlichter an Kerzenleuchter, Stuhlverzierung und Vorhang lassen die Objekte besonders dreidimensional wirken und verleihen ihnen gleichzeitig ein hochwertiges Aussehen.

Schluss

Licht, Komposition, Farbe und Räumlichkeit verbinden sich zu einem Gesamtkunstwerk, das eine harmonische Grundstimmung hat. Gelegentlich wird diese durch geschwungene und kontrastreiche Elemente aufgebrochen und verleiht dem Werk Spannung und Dynamik. Das Werk wirkt dadurch nicht starr, sondern lebhaft und natürlich.