Malerei

Malerei – Kunst

Die Malerei ist die älteste Form der Kunst in der Menschheitsgeschichte und zeigte sich zunächst in Form von Höhlenmalereien. Etwa 50.000–12.000 v. Chr. währt die Periode der jüngeren Altsteinzeit, auch Jungpaläolithikum genannt. Einer der ältesten Felsbilder – die bis heute entdeckt wurden – befindet sich in der spanischen El-Castillo-Höhle und wurde etwa 40.000 v. Chr. gemalt.

Im Wesentlichen hat sich die Malerei bezüglich der Technik in ihren Grundzügen nicht großartig verändert. Als Oberfläche zum Malen entwickelten sich Felswände mit der Zeit zu Holz, Papier und Stoff. Die Pigmente erweiterten sich zu einer breiten Palette an Erden und Mineralien bis hin zu Pflanzenextrakten und modernen synthetischen Farben. Besonders die Herstellung von Ölfarben brachte ein neues, flexibles, und haltbares Medium hervor und trägt bis heute eine stets präsente Rolle in der westlichen Malerei.

Arten von Kunst

Künstlerinnen und Künstler der Malerei verwenden diverse Gestaltungsmittel, um Perspektive einzubauen, Kompositionen zu kreieren, oder den/die Betrachter*in anzusprechen. Unten findest Du ein paar dieser Gestaltungsmittel für Dich zusammengefasst, um Dir einen Überblick über die Methoden zu verschaffen.

Kunst-Arten: Die Farbenlehre

Die Farbenlehre kategorisiert Farben in ein System und erklärt, wie sie:

• sich vermischen,
• zueinander stehen,
• zusammenpassen und
• von Menschen wahrgenommen werden (z.B. rot für Liebe, grün für Hoffnung).

Der Schweizer Kunsttheoretiker Johaness Itten entwickelte eine aus zwölf Farben bestehende Farbordnung, welche in drei Kategorien eingeteilt wird:

1. Die Primärfarben (blau, gelb und rot)
2. Die Sekundärfarben (orange, grün und violett)
3. Die Tertiärfarben (gelborange, blauviolett, gelbgrün etc.)

Kunst-Arten: Die Perspektive

Innerhalb einer Bildanalyse solltest Du auch die Perspektive und Räumlichkeit analysieren. Dabei gibst Du immer auch die Wirkung an. Folgende Punkte kannst Du in deiner Analyse beachten:

• Welche Art von Perspektive?
  • Geometrisch (Zentral-, Parallelperspektive, Perspektive mit mehreren Fluchtpunkten → wo liegen die Fluchtpunkte?)
  • Abstrahiert (Verfremdet, Multiperspektive, Umgekehrt...)
  • Bedeutungsperspektive

• Betrachterstandpunkt (Frosch-, Vogel-, Normalperspektive)
• Atmosphärische Perspektive (Farb- und Luftperspektive)
• Raumschaffende Mittel (Überdeckung, Höhenunterschied, Staffelung, Größenunterschied, Licht & Schatten)
• Bildraum und Bildzonen (voneinander abgetrennt, Vordergrund/Hintergrund, Bildtiefe)

Kunst-Arten: Die Komposition

Der formale Aufbau eines Kunstwerks und die Zusammenschaffung von Gestaltungselementen beeinflusst die Wahrnehmung des Betrachters oder der Betrachterin.

Die grundlegenden Kompositionselemente sind:

Format

In der Regel findest Du die klassischen Formate wie das Hoch- oder Querformat in der Malerei. Ein Gemälde kann jedoch auch auf einem runden oder dreieckigen Format verwirklicht werden. Das Format bestimmt die Gesamtwirkung eines Werkes.

Bildzonen und Bildflächen

Unter Bildzonen und Bildflächen in einem Kunstwerk sind die (gedanklichen) Abgrenzungen von Bildelementen zu verstehen. Zu den klassischen Bildzonen gehören Vorder-, Mittel- und Hintergrund. Zudem können größere Flächen mit einer homogenen Farbigkeit eine Einheit bilden und somit eine Bildzone erschaffen.

Geometrische Formen

Geometrische Formen beeinflussen die Komposition eines Kunstwerks. Bei Rechtecken und Ovalen spricht man in der Regel von statischen Formen, während diagonale, schiefe und schräge Formen ein dynamisches Bildgefüge erzeugen können.

Linien/Richtungen/Achsen

Linien, Richtungen und Achsen können inhaltliche Verhältnisse und Beziehungen zwischen Bildelementen erschaffen. Während vertikale und horizontale Linien ein Kunstwerk standhaft wirken lassen können – so wie bei den statischen geometrischen Formen – erzeugen diagonale Linien Dynamik.

Übergeordnete Kompositionsformen

Eine bestimmte Anordnung von Figuren kann eine Kompositionsform aufbauen. In der Regel wirkt dies standhaft auf den/die Betrachter/in und bildet eine geschlossene Wirkung.

Unter den Kompositionsformen findest Du:

• Dreieckskompositionen,
• Kreiskompositionen,
• Ovalkompositionen und
• Bilddiagonalen.

Malerei – Techniken

Unter Technik versteht man in der Malerei, welche Farbe (Öl-, Acryl-, Aquarellfarbe etc.) auf welchen Bildträger aufgetragen wird. Im Gegensatz dazu, wird mit dem Stil, die individuelle Ausdrucksform gemeint.

Die Technik ist zum Beispiel, wenn mit Öl auf eine Leinwand gemalt wird. Der Stil ist die Methode, wie Farbe aufgetragen wird, einschließlich der Länge und Richtung der Malstriche.

Innerhalb der Malerei entwickelte sich über die Jahrhunderte eine breite Palette an unterschiedlichen Stilen und Techniken. Während manche Maltechniken von traditioneller Natur sind, sind andere unkonventioneller, wie zum Beispiel Mixed-Media.

Die Bildträger

Der Bildträger ist der Untergrund, auf dem Kunstschaffende ihre Werke produzieren. Man unterscheidet hier zwischen der:

• Wandmalerei,
• Tafelmalerei,
• Buchmalerei und
• Leinwandmalerei.

Wandmalerei/Deckenmalerei

Die Wandmalerei bzw. die Deckenmalerei sind Bildträger, die eng mit der Architektur verbunden sind. Hier wird zwischen den folgenden Techniken unterschieden:

• dem Secco (Farbe wird auf eine trockene Wand bemalt),
• dem Fresko (Farbe wird auf den feuchten Putz aufgetragen) und
• dem Sgraffito (in den feuchten Putz werden Motive/Bilder etc. eingeritzt).

Je nach Form der Fläche kann die Wahrnehmung der räumlichen Proportionen von Künstlerinnen und Künstlern beeinflusst werden.

Tafelmalerei

In der Kunst wird ein Tafelbild auf flachem und festem Material wie Metall, Elfenbein, Ton oder Holz angefertigt. Seinen Ursprung hat der Begriff von den Holztafeln, auf denen besonders im Mittelalter gemalt wurde.

Buchmalerei

Die Buchmalerei ist in der spätantiken und mittelalterlichen Kunst, in Ostasien und in der islamischen Kunst weitverbreitet. Die Seiten eines Buches können mit den folgenden Methoden verschönert werden:

• Randillustrationen,
• Ornamente,
• ganzseitige Abbildungen und
• verzierte Initialen (an Seiten- bzw. Kapitelanfängen)

Leinwandmalerei

In der Leinwandmalerei werden Textilien als Bildträger genutzt. Bei dem Textil handelt es sich in der Regel um ein Gewebe aus Leinen, das auf einen Keilrahmen oder in einen Tragerahmen gespannt wird. Alternativ kann das Textil auch aufgespannt werden, wenn das Gemälde fertig ist.

Das Fresko

Fresken werden meist mit der italienischen Renaissance in Zusammenhang gebracht, doch diese Technik der Malerei existiert bereits seit ca. 1400 vor Christus.

Das Fresko ist eine Technik der Wandmalerei, bei der mit wasserbasierter Farbe direkt auf nassen Putz gemalt wird. Damit wird die Farbe ein integraler Bestandteil des Putzes. Ausbesserungen können – nachdem der Putz getrocknet ist – vorgenommen werden, jedoch kann das später zu leichten Abblätterungen führen.

Fresken findest Du in Kirchen, alten Tempeln, Grabstätten, aber auch auf Wohnhäuser und kommerziellen Einrichtungen. Alte Fresken weisen oftmals erste Makel auf und müssen gegebenenfalls restauriert werden.

Faktoren wie (Luft-)Feuchtigkeit, Salze und Luftverschmutzung führen zu:

• Rissen,
• Zerfall von Farbschichten und
• Bildung von Farbblasen.

Die Temperamalerei

Temperafarben bestehen aus farbigen Pigmenten vermischt mit wasserlöslichen Bindemitteln wie Eigelb, Kasein, Quark oder Stärke und stammt vermutlich aus dem alten Ägypten. Diese Technik der Malerei erlebte ihre Blütezeit in Europa erst im Mittelalter.

Zu den Vorteilen der Temperamalerei gehört die Altersbeständigkeit der Farbe, denn die Werke bekommen in der Regel mit der Zeit keine Risse. Ebenso hilft das langsame Trocknen der Farbe dem/der Maler*in beim Korrigieren von Fehlern.

Die Technik der Temperafarben ist eine sehr anspruchsvolle Methode, die technisches Know-how aus der Chemie sowie malerische Erfahrung voraussetzt. Dementsprechend gehören zu den Nachteilen:

• die arbeits- und zeitaufwendige Herstellung der Farbe, die wiederum sehr schnell verdirbt.
• die schwierige Handhabung der Farbe, weil sie nur in kurzen und kleinen Strichen aufgetragen werden kann.
• die Erscheinung der Farbe, die sich in nasser und trockener Form unterscheidet, z.B. beige trocknet zu braun.

Die Aquarellmalerei

Die Geschichte und Entwicklung der Aquarellmalerei geht zurück bis zur Höhlenmalerei, doch die Technik, wie wir sie heute kennen, begann ca. 900 nach Christus.

Die Aquarellmalerei war lange eine nicht wertgeschätzte Technik und galt somit auch nicht als eigenständige Kunstform. Doch Künstler wie Albrecht Dürer und Rembrandt werteten die Technik auf. Für sie war die Aquarellmalerei besonders für Studienzwecke und Vorarbeiten – für die Entwicklung größerer Ölgemälden – von wichtiger Bedeutung.

Zur weiteren Entwicklung der Aquarellmalerei trug der englische Maler Joseph Mallord William Turner bei. Er war einer der Ersten im 18. Jahrhundert, der Aquarell nicht nur für Studienzwecke und zum Kolorieren von Zeichnungen benutzte, sondern die Farbe als eigenständige Technik auf dem Bildträger verwendete. Damit etablierte sich die Aquarellmalerei als eigenes Genre und wurde von vielen Maler*innen aufgenommen.

Aquarellfarben gehören zur Familie der Wasserfarben, doch die sehr feinen Pigmente in Aquarell sind viel leichter und damit weniger deckend beim Auftragen.

Die Gouachemalerei

Ungefähr im 15. Jahrhundert entstand die Technik der Gouachemalerei. Berühmte Künstler wie Albrecht Dürer und der italienische Maler Raphael verwendeten diese Technik gerne für ihre Zeichenstudien und Entwürfe.

Gouachefarben verhalten sich beim Auftragen wie Wasserfarben, aber haben die optische Wirkung von Acryl oder Tempera. Verglichen mit Aquarellfarben ist die Pigmentierung von Gouache intensiver, damit scheint auch der Untergrund bei Gemälden nicht durch.

Die Ölmalerei

Die Technik der Ölmalerei entstand im Hochmittelalter im 13. Jahrhundert und erreichte die breite Masse im 15. Jahrhundert durch Jan van Eyck (1390-1441), einer der berühmtesten niederländischen Maler. Allerdings etablierte sie sich erst ein Jahrhundert später als eigenständige Technik.

In Ölfarben werden trocknende Öle als Bindemittel eingesetzt. Meistens besteht das Öl aus Pflanzenöl, die durch das Zerkleinern von Nüssen oder Samen hergestellt werden. Am häufigsten verwendet man Leinöl, aber auch Mohn-, Sonnenblumen-, Saflor-, Sojabohnen- oder Walnussöl.

Im Gegensatz zu Temperafarben, lassen sich Ölfarben gut miteinander vermischen, wodurch subtile Farbvariationen kreiert und somit auch Licht- und Schattendetails leichter erzeugt werden können. Mit Terpentin oder anderen Verdünnungsmitteln (Streckmittel) kann man die dicke Ölfarbe verdünnen. Das hilft beispielsweise beim Auftragen von dünneren Schichten. Dickere Farbschichten haben hingegen den Vorteil, dass Kunstschaffende ihre Werke schrittweise entwickeln und bei Bedarf Änderungen oder Korrekturen vornehmen können, da die Farbe langsamer trocknet.

Die Ölfarben härten über Jahrzehnte weiter aus. Zusätzlich zu Streckmitteln kann auch die Pigmentierung der Farbe die Trocknungsgeschwindigkeit beeinflussen. Zum Beispiel gehört dunkelgrün zu den Farben, die am längsten zum Durchhärten braucht.

Rissbildungen in Ölgemälden, auch Krakelee genannt, kommen durch Oxidation zustande. Diese chemische Reaktion von Farbe und Sauerstoff ist ein Prozess, dass die Farbe über die Jahre erhärtet. Äußere Einflüsse wie Temperatur und (Luft-) Feuchtigkeit beeinflussen sowohl die Farbe als auch den Bildträger (z.B. Leinen). Durch das Schrumpfen und Ausdehnen des Materials entstehen schließlich Risse.

Die Acrylmalerei

Acrylfarben kamen erstmals Ende der 1940er-Jahren in den USA auf den Markt und in Europa war der Gebrauch ab den frühen 1960ern verbreitet. Seitdem ist die Acrylmalerei zu einer der beliebtesten Techniken herangewachsen.

Diese Technik ist ein besonders vielseitiges Medium. Im nassen Zustand ist die Farbe wasserlöslich und kann auch leicht bearbeitet werden, doch trocknet sie zu einer wasserfesten und haltbaren Oberfläche. Dadurch können mit Acrylfarben mehrere Schichten aufeinander aufgetragen werden, ohne die darunter liegenden Schichten zu verwischen oder zu beschädigen.

Die Vielseitigkeit von Acrylfarben kannst Du auch am Farbauftrag erkennen. Zum Beispiel können dicke Texturen wie in der Ölmalerei erschaffen, aber auch wässrige und leichte Effekte erzeugt werden.

Im Gegensatz zu Ölfarben ist Acryl in geschlossenen Räumen nicht giftig und findet deswegen auf viel Gefallen unter Maler*innen.

Die Aktionsmalerei

Aktionsmalerei – auch bekannt unter dem Begriff Action Painting – ist sowohl eine Maltechnik als auch eine Stilrichtung der modernen Malerei innerhalb des abstrakten Expressionismus, die ihren Ursprung in den 1950ern und 1960ern in den Vereinigten Staaten hat. Sie ist eine direkte, instinktive und hochdynamische Technik. Farbe wird auf einen Bildträger geschüttelt, gespritzt, gemalt oder getropft.

Der Kunstkritiker Harold Rosenberg prägte den Begriff 1952, um die Arbeit von Künstlerinnen und Künstlern zu beschreiben, die sich von klassischen Pinselstrichen abgewandt hatten.

Trotz der instinktiven und hochdynamischen Bewegungen, die bei der Aktionsmalerei verwendet werden, spiegeln sich in den Kunstwerken Muster und Rhythmen wider, die eine konkrete Vision verfolgen.

Die Malerei über die Zeit

Zur Zeit der Romanik (ca. 1000–1250) wurde Kunst in Europa als Handwerk aufgefasst und Künstlerinnen und Künstler verstanden sich selbst als Auftragshandwerker. Weswegen aus dieser Epoche Künstlerinnen und Künstler namentlich nicht bekannt sind. Im Fokus standen zum größten Teil religiöse und kirchlich geprägte Werke.

Maler*innen der Renaissance (ca. 1400–1620) veränderten die Darstellung der Welt entscheidend. Weltliche Gegenstände und Ereignisse wurden zunehmend zum Sujet vieler Kunstschaffender. Außerdem konnten mit der Erfindung der Ölmalerei neue Farben gemischt werden. Diese feinsten Farbnuancen und die Erforschung von Perspektive und Komposition erweiterten die Darstellungsmöglichkeiten.

Ab 1600 entstanden in den darauffolgenden Jahrhunderten unterschiedliche Stilrichtungen. Bis zur Entwicklung der Fotografie im 19. Jahrhundert war die möglichst genaue Abbildung der Welt das Hauptaugenmerk vieler Maler*innen. Mit der Fotografie als Konkurrenz verlor dies schnell an Stellenwert und Kunstschaffende erwiderten mit der Autonomisierung ihrer bildnerischen Mittel.

Malerei heute

Wenn Malerei als Schlagwort fällt, denkst Du vielleicht wie viele andere auch zuerst an die großen Namen wie Leonardo da Vinci, Van Gogh, oder Frida Kahlo. Die Werke dieser Künstlerinnen und Künstler wurden in den letzten Jahren auch in verschiedenen Städten durch Videokunstinstallationen präsentiert und vielleicht warst Du selbst bei solch einer Veranstaltung und durftest die Gemälde auf Dich wirken lassen.

Hauptaugenmerk dieser Projekte ist es, kulturelle Erbgüter von namhaften Maler*innen einem breiten Publikum zugänglich zu machen und heutige und künftige Generationen zu inspirieren und zu vereinen. Des Weiteren soll auch gezeigt werden, dass die Malerei – ein Zweig der bildenden Kunst – mit digitaler Kunst vereinbar ist.

Die Malerei besteht heute nicht mehr unbedingt aus Pinsel, Farbe und Leinwand, sondern ist ein großer Teil der digitalen Kunst geworden.