Objektkunst

Objektkunst – Definition

Uhren, Plastikflaschen, Kleidungsstücke, Glühbirnen – In der Objektkunst lassen Künstlerinnen und Künstler längst nicht nur Räder und Hummer zu Kunstwerken werden. Vielmehr dienen ihnen verschiedenste Objekte aus dem täglichen Leben, um sie in ein Kunstwerk zu verwandeln.

Um ihre individuelle Aussageabsicht zu transportieren, setzen die Künstlerinnen und Künstler die Gegenstände ihrer Objektkunst entgegen ihrer ursprünglichen Bedeutung in einen anderen Zusammenhang. So landet Plastikmüll nicht in der Mülltonne, sondern wird zum Symbol für die Umweltverschmutzung; eine Uhr dient nicht dazu, die Zeit anzuzeigen, sondern die Vergänglichkeit des Lebens. Und einige Werke der Objektkunst sind und bleiben wohl ein Rätsel für die Betrachtenden.

Objektkunst – Entstehung und Entwicklung

Eindrucksvolle Gemälde, formtreue Skulpturen und architektonische Meisterwerke: Die Geschichte der Kunst wurde über viele Epochen hinweg durch klassische Kunstwerke geprägt. Im Laufe der Zeit und besonders zu Beginn der Klassischen Moderne im 20. Jahrhundert veränderte sich aber die Auffassung von Kunst zunehmend und die Grenzen zwischen den Gattungen wie der Malerei, der Plastik und der Architektur lösten sich mehr und mehr auf. So entstand aus den Entwicklungen der Modernen Kunst schließlich auch die Objektkunst.

Die Idee der Collage

Entscheidend für die Entstehung der Objektkunst war die Technik der Collage. Denn mit dieser Technik bedienten sich die Künstlerinnen und Künstler für ihre Bilder nicht mehr nur der Farben, sondern verschiedener Elemente: Durch das Zusammenfügen unterschiedlicher, flächiger Materialien, wie Zeitungsausschnitte, Bilder, aber zum Beispiel auch Schnüre und Sägespäne, entsteht bei einer Collage ein Gesamtkunstwerk.

Als wegweisend für die Objektkunst waren die Collagen des Kubismus, unter anderem von dem spanischen Künstler und Mitbegründer des Kubismus, Pablo Picasso (1881–1973). Nicht nur in seinen Gemälden, sondern auch in seinen Collagen, brach er die traditionelle Bilddarstellung auf.

Von der Assemblage zur Objektkunst

Bewegten sich die Künstlerinnen und Künstler des Kubismus mit ihren Collagen noch vorrangig im zweidimensionalen Bereich, so wurde die Idee der Collage in den folgenden Kunstströmungen wie dem Dadaismus und dem Surrealismus zunehmend auf den dreidimensionalen Bereich erweitert.

Die Kombination verschiedener dreidimensionaler Objekte und Materialien, oft befestigt auf einem zweidimensionalen Untergrund, wird auch als Assemblage bezeichnet. Die Assemblage ist also sozusagen die dreidimensionale Version der Collage.

Ende der 1950er-Jahre entwickelte sich aus der Assemblage der Begriff der Objektkunst. Immer mehr Künstlerinnen und Künstler experimentierten in ihren Kunstwerken mit Alltagsobjekten und Fundgegenständen und deklarierten diese zu einem Kunstwerk. Obwohl die Objektkunst aus der Idee der Collage und Assemblage entstanden ist, gilt sie heute als Überbegriff für diese und weitere dreidimensionale Kunstformen, von denen im Folgenden einige näher beschrieben werden.

Objektkunst – Beispiele & Formen

Die Objektkunst stellt also längst nicht nur einen Begriff für eine, sondern vielmehr einen Überbegriff für zahlreiche dreidimensionale Kunstformen dar. Dabei besteht ihre Gemeinsamkeit darin, Objekte und Gegenstände des Lebensumfelds in einen anderen Kontext zu setzen und auf diese Weise zu einem Kunstwerk mit einer individuellen Aussage werden zu lassen.

Combine-Paintings

"Kombinierte Malerei" – So lässt sich der Begriff "Combine-Painting" übersetzen. Bei einem Combine-Painting wird also die Malerei mit etwas kombiniert. Aber womit? Als Kunstform, die zur Objektkunst gehört, werden Alltagsgegenstände und gefundene Objekte mit Malerei, also einem Gemälde, nicht selten auch mit einer Collage, zusammengefügt.

Ein Beispiel für ein Combine-Painting hast Du bereits in dieser Erklärung kennengelernt. Weißt Du, welches es ist? Das Hummer-Telefon von Dalí, die Stillleben-Collage von Picasso oder doch die ausgestopfte Angoraziege von Rauschenberg? Letzteres Kunstwerk gilt als Beispiel eines Combine Paintings, denn hier kombinierte Rauschenberg eine mit Farben und verschiedenen Materialien gestaltete Holzplattform mit einer in einem Secondhand-Geschäft erworbenen, ausgestopften Ziege.

Readymades

Eine besondere Form der Objektkunst stellen die sogenannten "Readymades" dar. Eines davon wurde einleitend bereits beschrieben: das "Fahrrad-Rad" von Marcel Duchamp (1887–1968). Aber auch seine Kunstwerke "Flaschentrockner" und "Fontäne" zählen neben vielen weiteren Arbeiten zu den Readymades.

Doch was macht eine Objektkunst zu einem Readymade? Einen Hinweis auf die Antwort gibt die deutsche Übersetzung des englischen Begriffs: "gebrauchsfertig". Es handelt sich also um bereits vorgefertigte, oft in Masse produzierte Objekte, die meist mit kaum oder gar keiner weiteren Bearbeitung in das Kunstwerk integriert werden. Geprägt wurde der Begriff insbesondere durch den Objektkünstler Marcel Duchamp, der mit seinen Readymades unter anderem die Epoche des Dadaismus und des Surrealismus mitgestalte.

Environments

Von der Collage, über die dreidimensionale Erweiterung in Form der Assemblage, bis hin zu den Readymades, die kaum noch eine Veränderung der zum Kunstwerk erklärten Gegenstände vornehmen: Die Formen der Objektkunst sind vielfältig. Wie vielfältig, beweist eine weitere Ausweitung der Objektkunst, die in den 1960er-Jahren entstanden ist: die Environments.

Fand der umliegende Raum eines Kunstwerkes bis dahin noch wenig Beachtung, so änderte sich dies in den 1960er-Jahren. In den Environments integrierten die Künstlerinnen und Künstler die Umgebung in ihre Objektkunst und fügten ihr so einen interessanten, neuen Aspekt hinzu, der viel Spielraum und neue Deutungsebenen eröffnete. Die Umgebung ist dabei in den meisten Fällen maßgeblich für die Wirkung und Aussageabsicht des Werkes.

Die Differenzierung der Kunstformen

Der Begriff "Environment" wurde im Laufe der letzten Jahrzehnte zunehmend durch den Begriff "Installation" abgelöst. So können auch beide Begriffe kaum noch voneinander getrennt werden. Und auch weitere Begrifflichkeiten fallen häufig, wenn es um die Objektkunst geht, so etwa die Abfallkunst, wie Du zuvor bei der Objektkunst "Trash People" sehen konntest.

Zur Bestimmung ist ausschlaggebend, welche Objekte verwendet werden und was noch Bestandteil des Kunstwerkes ist. Denn sobald Alltagsgegenstände und/oder Fundobjekte in das Kunstwerk einbezogen werden, kann in den meisten Fällen auch von Objektkunst gesprochen werden.

Objektkunst – Bekannte Künstler und Künstlerinnen

Gegenstände und Fundobjekte aus dem Alltag werden zu Kunstwerken: Diese Idee gefiel im Laufe des 20. Jahrhunderts immer mehr Künstlerinnen und Künstlern, die die Grenzen zwischen Kunst und Leben in verschiedenen Ausdrucksformen der Objektkunst immer stärker auflösten. So wurden zum Beispiel aus einem Fahrradsitz oder aus schmutzigem Geschirr weltberühmte Werke der Objektkunst.

Pablo Picassos Stierschädel

Dass Picasso Anfang des 20. Jahrhunderts mit seinen kubistischen Collagen zur Entstehung der Objektkunst beigetragen hat, ist bereits bekannt. Er war jedoch nicht nur ein Wegweiser der Objektkunst, sondern stellte später auch selbst Kunstwerke her, die er aus Fundobjekten zusammensetzte. So erschuf er im Jahr 1942 ein bis heute berühmtes Beispiel für die Objektkunst: seinen Stierschädel, auf Englisch auch unter dem Titel "Bull's Head" bekannt.

Dabei schweißte er einen alten Fahrradsitz und einen rostigen Fahrradlenker zusammen, sodass sie schließlich aussahen wie der Schädel eines Stiers. Dabei betonte Picasso, wie bedeutend es für die Wirkung des Kunstwerkes sei, nicht nur den Kopf des Stiers in dem Kunstwerk zu sehen, sondern auch den Fahrradsitz und den Lenker, aus denen er sich zusammensetzt.

Abbildung 7: Objektkunst von Pablo PicassoPablo Picasso: "Stierschädel" (1942)Musée Picasso, Paris

Daniel Spoerris konservierte Mahlzeiten

Das folgende Bild sieht aus wie eine Fotografie eines Esstisches direkt nach dem Verzehr einer Mahlzeit, oder? Und tatsächlich handelt es sich auch um einen Esstisch nach dem Verzehr einer Mahlzeit, aber nicht allein die Fotografie davon hat ihn verewigt.

Der Künstler Daniel Spoerri (*1930) ließ für sein Kunstwerk mit dem Namen "Meal Variation - Eaten By Roy Lichtenstein" aus dem Jahr 1964 den Künstler Roy Lichtenstein eine Mahlzeit verspeisen, um anschließend alle Gegenstände an der Tischplatte zu fixieren und die Essensreste zu konservieren. Einen sonst so vergänglichen Moment, wie das Essen einer Mahlzeit, wandelte der Künstler in eine dauerhafte Objektkunst um.

Abbildung 8: Beispiel für eine konservierte MahlzeitDaniel Spoerri: "Tableau Piège" (1974)